A partir do nº 09 passou de fato a publicar histórias de zumbis, monstros, vampiros e outros seres do além, sempre em histórias curtas, que em poucas páginas procuravam levar o medo e a apreensão ao leitor. Com o sucesso dessas revistas e a grande quantidade de títulos nacionais de diversas editoras, o fornecimento de material estrangeiro a ser publicado não foi suficiente para suprir a demanda de publicações nacionais, ainda agravada pela queda do gênero nos EUA. Com isso, muitas revistas passaram a publicar parte de suas histórias feitas por artistas nacionais e outras apostaram em publicações 100% nacionais.

Esse mercado seguia um modelo padrão de narrativa criada com sucesso pela E.C. Comics; histórias curtas, com bastante violência e desfecho com impactos como”.. e quando olhou para o seu filho, reconheceu em seus olhos o mesmo olhar de seu antigo sócio, assassinado por ele há mais de vinte anos..”. Esse modelo foi quebrado em 1964 pela Warren Publishing Company que, em plena época de censura aos quadrinhos norte-americanos, conseguiu inserir novamente os quadrinhos de terror no mercado editorial valendo-se de uma brecha nas nefastas regras do Comic Code.

A adoção do formato magazine (20.5 x 27.5cm) isentava a editora da obrigatoriedade do selo de aprovação do Comic Code, que visava às revistas em formato americano (17 x 26 cm), pois as em formato magazine eram em geral revistas adultas e não consumidas pelos inocentes leitores.

Composta por um excelente time de desenhistas e roteiristas, a Warren Publishing Company apresentou aos leitores uma nova forma de narrativa nas histórias de terror explorando o terror psicológico e nauseante onde a violência chocava o leitor sem provocar repulsa.

Apesar de adotar o formato de histórias curtas, muitas delas tinham continuação na edição seguinte formando arcos e até mesmo séries com determinados personagens. Inicialmente a Warren começou com os títulos Creepy e Eerie, logo depois vieram Vampirella e posteriormente 1984. Outro diferencial era a inclusão de histórias de suspense e ficção científica sempre com roteiros fortes e inesperados.

O material da Warren permaneceu inédito no Brasil até 1976 onde, até então, predominava a produção nacional e material oriundo de editoras como E.C. Comics, Charlton Comics e mesmo da Marvel Comics (Tales to Astonish, Journey Into Mistery). Quando em Setembro de 1976 a RGE – Rio Gráfica Editora (atual Editora Globo) levou às bancas a primeira edição de Kripta. Idealizada pelo editor Luis Felipe Aguiar, Kripta é até hoje considerada a melhor revista do gênero publicada no Brasil.

Kripta sempre manteve o mesmo número de páginas, mas mudou o formato por duas vezes. Até a edição 26 adotou um formato intermediário entre o magazine e o formato americano (17 x 24 cm); entre os números 27 e 50 o formatinho (13,5 x 20,5 cm) e em seguida passou para o mini-formatinho (13,5 x 19 cm) até o seu encerramento.

Enquanto roteiristas como Doug Moench, Archie Goodwin, Al Milgrom, Don McGregor, Roger McKenzie, Bruce Jones, Roger Stern, Nicola Cuti, Bill Dubay, Budd Lewis, Steve Skeates, Dave Sims davam vazão aos seus sonhos e pesadelos, desenhistas como Rich Corben – que recentemente abandonara o pseudônimo de Caza – Berni Wrightson, José Ortiz, Howard Chaykin, Frank Miller, Neal Adams, Esteban Maroto, Walter Simonson, Steve Bissette, George Pérez, Martin Salvador, Val Mayerik, Alex Niño, Alfredo Alcala, Leopold Sanchez, Paul Neary, Tom Sutton, Paul Gulacy, Jim Starlin, Gonzalo Mayo, Luis Bermejo, Ramon Torrents, Vicente Alcazar, Wallace Wood, Al Williamson, Alex Toth, Jim Steranko, John Severin, Mike Plogg, Angelo Torres, Leo Durañona, Carmine Infantino, Steve Ditko, Jaime Brocal ilustravam com maestria os roteiros recebidos.

E pela seção de cartas tivemos conhecimento de que a redação chegou a cogitar a inclusão de material nacional nas páginas de Kripta. Entretanto o que aconteceu foi a inserção de algumas páginas com cartuns de humor negro nos superalmanaques feitos por Nilson, Nani, Fernando, Guidacci e Cláudio Paiva.

Dos três almanaques publicados, um deles saiu em formato “grande” com uma história publicada em cores – a única em toda a série – e dois em formatinho, com o terceiro intitulado “Almanaque de Kripta erótica”. Já os dois superalmanaques publicados, foram “Humor negro” e “Terror da Infância”, com 132 páginas cada.

Houve também um almanaque com a reedição das melhores histórias publicadas em Kripta que trouxe uma história inédita “Terceira pessoa do singular” – escrita por Bruce Jones e desenhada por Luis Bermejo.
A RGE editou também a revista Shock, apelidada de revista-irmã, pois o seu conteúdo também provinha das edições americanas de Creepy e Eerie, mas foi cancelada no quinto número.

Kripta marcou época pela qualidade das histórias, além de influenciar o mercado editorial brasileiro e alavancar uma nova leva de títulos de horror. Com destaques para Spektro, Pesadelo e Histórias do Além (Vecchi), o selo Capitão Mistério (Bloch Editores) com 10 títulos de horror da Marvel Comics, Calafrio, Mestres do Terror (D-Art) e edições especiais como O grande livro do terror (Editora Argos).

Em junho de 1981 chega às bancas o último número de Kripta, trazendo como brinde o nº 0 da revista 3ª Geração anunciada como a nova “mutação” de Kripta, com o material licenciado pela Marvel Comics, além de entrevistas e seções sobre cinema e literatura fantástica. Apesar de ter retomado o formato antigo, a nova revista não emplacou e foi cancelada na 5ª edição.

A RGE ainda utilizou do nome Kripta para tentar emplacar três novas revistas sob o selo “Kripta apresenta”: Dr. Corvus, Fetiche e Pânico, todas em formatinho de péssimo tratamento gráfico, além do fraco material selecionado.

Em 2003 um grupo de desenhistas e roteiristas novatos, fãs da Kripta, colocaram no ar o site http://www.ucmcomics.com.br que ao longo de três anos disponibilizaram online sua própria revista de terror nacional, e homenageavam a Kripta tanto no nome quanto no projeto gráfico. O site da ucm atualmente encontra-se desativado, mas pode ser acessado através do site http://web.archive.org.

O material da Warren retornou às bancas e às comic shops brasileiras em 2011 através da Mythos Editora, que está republicando a revista Eerie a partir do primeiro número, em encadernados contendo cinco edições cada.

Com essa nova edição novamente qualquer dia é sexta-feira e qualquer hora é meia-noite…

Consulta bibliográfica:

http://www.nostalgiadoterror.com/reportagens_1/kripta.htm
http://www.universohq.com/quadrinhos/2006/n18092006_06.cfm
http://hqmaniacs.uol.com.br/principal.asp?acao=materias&cod_materia=275
http://www.gibihouse.xpg.com.br/rge/warren/warren_rge.html

Sendo assim a questão foi fechada: a capa seria do Afo e do Lor, e o desenho do Benjamin seria utilizado como capa do n° 2.

Mas de alguma forma a arte do Benjamim foi publicada na segunda capa da primeira edição sem ao menos uma legenda anunciando-a como capa da próxima edição.

Pouco tempo depois, uma descoberta: cartuns inéditos do cartunista Carlos Estevão, encontrados por Carlos Felipe nos arquivos dos “Diários Associados”, estava decidida a capa da segunda edição e o convidado especial.

Eleito mineiro honorário, o pernambucano Carlos Estevão foi devidamente homenageado no Almanaque do Humordaz. Reproduzindo a última entrevista dada por Carlos Estevão, publicada originalmente no “Diário da Tarde” de 04/03/1972, praticamente quatro meses antes de seu falecimento.

Acabava o Almanaque nas bancas, mas a página semanal no Estado de Minas continuou por cerca de um ano e meio, alegrando os leitores de toda a Minas Gerais. Assim ao lado de “Araruta” (Porto Alegre), “Casa de Tolerância” (Curitiba), “Uai!” (Belo Horizonte), “O Outro” (Recife), “Cabra Macho” (Natal), “Livrão de Quadrinhos”, “Balão” e “Habra Quadabra” (São Paulo), “Risco” (Brasília) e “O Bicho” Rio de Janeiro”, o Almanaque do Humordaz ajudou a compor o movimento alternativo do quadrinho nacional dos anos 70.

Referências bibliográficas:

Agradecimento especial ao cartunista Nilson, pelas horas de bate-papo e informações únicas.

Com esse texto de apresentação, o cartunista Fortuna dava as boas vindas ao leitor na primeira edição de O Bicho. Em meados de março de 1975, dois meses após a distribuição gratuita do n° zero, chegava às bancas a primeira edição de O Bicho.
Conta a lenda que, na época em que Fortuna se preparava para lançar sua revista, Luiz Gê foi conversar com ele e ficou muito satisfeito em saber que o veterano cartunista estava se baseando na experiência da Balão como orientação do seu projeto. Luiz Gê teria dito: “Gostei de ouvir isto! O que me assegura que entramos para a história”.

Lançado pela editora Codecri (Comitê de Defesa do Crioléu), e editado por Fortuna, com uma tiragem de 15 mil exemplares, O Bicho chegou às bancas trazendo a nata dos cartunistas da época, além de resgatar trabalhos antigos de cartunistas e desenhistas brasileiros. Havia espaço também para o material estrangeiro, devidamente selecionado, privilegiando artistas pouco conhecidos por aqui.
A importância desta revista encontra-se no fato de que, trazendo aos quadrinhos a questão do experimentalismo da linguagem – ela veiculava histórias produzidas no intuito de bater de frente com as antigas concepções estéticas baseadas nas HQs enlatadas que eram trazidas ao país até então, além da crítica ao moralismo presente em nossos costumes.

DISSECANDO “O BICHO”

Contando com Luiz Gê e Miguel Paiva como colaboradores internacionais, a equipe principal de colaboradores da revista, já tinha passagem pelas páginas dos jornais Pasquim e Pingente, respectivamente: Nani, Coentro, Guidacci, Fortuna, Mollica e Duayer. Laerte, Dirceu Amádio, Paulo Caruso e Crau também marcaram presença, sendo que alguns deles já colaboravam com a revista Balão.
Aos poucos o time aumentou: Mariza, Michele, Luscar, Lapi, Chico Caruso, Miguel Paiva, Redi, Geandré, Luiz Fernando Veríssimo, Nilson, Canini, Parrot e Fausto.
A revista trazia sob o título o lema: “Cartuns e Quadrinhos não enlatados”, o que dava lugar a artistas como Quino, Roger Brand, Crumb, Wolinsky e Mary Kay Brown, entre outros, lugar garantido em suas páginas.

O Bicho teve vida curta, apenas oito edições, sendo seis editadas pela Codecri e as duas últimas pela EMEBE Editora Ltda. A cada edição trazia uma matéria especial sobre quadrinhos antigos, resgatando a memória de artistas como Seth, Luiz Sá, Carlos Estevão. Mas foi na segunda edição, que O Bicho publicou com exclusividade, todos os detalhes da batalha do Henfil para publicação do Fradim nos Estados Unidos. Mostrando o modelo do contrato padrão da UPS, com as devidas alterações feitas pelo Henfil, curiosamente anos depois Bill Waterson (Criador de Calvin & Haroldo), se valeu de praticamente as mesmas exigências em seu contrato com a UPS. Essa matéria nunca foi totalmente reproduzida em nenhuma outra publicação, tornando-a leitura obrigatória a todos os leitores.

Na terceira edição, Fortuna foi até o Sanatório Azevedo Lima entrevistar o desenhista Luíz Sá, que se encontrava internado para tratamento de tuberculose. Nessa entrevista, Luiz Sá fala de toda a sua carreira, inclusive sobre os seus desenhos animados. Através desta entrevista, um colecionador identificou ter em seu acervo parte das películas originais de um de seus desenhos animados, e dois meses depois, O Bicho reproduziu em suas páginas, as imagens dessas películas.

Na quarta edição, foi resgatada uma série de tiras produzidas em 1948, desenhadas por Carlos Estevão e escritas por Millôr Fernandes ( que na época assinava como Vão Gôgo). Publicadas no Diário da Noite: “Ignorabus, o Contador de Histórias” era totalmente diferente das tiras convencionais da época, brincando com os recursos da metalinguagem e do non-sense, a tira terminava propositalmente em um loop de flashbacks.

A sexta edição de O Bicho, que foi a última editada pela Codecri, publicou uma hq de ficção científica chamada: “A Terra”, escrita por Dirceu Amádio e ilustrada por Leo (Luiz Eduardo de Oliveira). Dirceu Amádio que já era colaborador da Balão, anos depois veio se tornar empresário do setor metalúrgico, e foi reconhecido em 2001 como um dos empresários que mais investiu no setor cultural. Enquanto isso Leo, passou a viver na frança, onde se consagrou como desenhista, admirado mundialmente pelos álbuns da série Aldebaran (publicados no Brasil pela Panini – maio/2006). Leo em entrevista publicada na revista Wizmania # 42 (panini – março/2007), declarou não ter sido pago pelos editores, pela história publicada em O Bicho.

A oitava e última edição de O Bicho, trazia a quadrinização da música “Chiquinho Azevedo” (Gilberto Gil – 1976), com o roteiro elaborado por Fortuna e ilustrada por Crau. Reproduzia também uma nota do JB, que comemorava o acordo entre Maurício de Souza e a Warner, para a publicação das tiras do Pelezinho (outubro/1976), e que em menos de um ano ganhou revista própria na Editora Abril (agosto/1977).

E foi assim que em novembro de 1976, O Bicho apareceu pela última vez nas bancas, apesar de poucos números lançados, tornou-se ao lado da Balão, um dos marcos editoriais que abriu caminho para novos artistas e formulações temáticas e críticas com total liberdade aos autores. Somente dez anos depois tivemos uma nova publicação nestes moldes: Circo (outubro/novembro – 1986), mas isso é assunto para outra matéria.

Consulta bibliográfica:
http://www.itaucultural.org.br/aplicExternas/enciclopedia_ic/Enc_Artistas/artistas_imp.cfm?cd_verbete=3855&imp=N&cd_idioma=28555
http://hqmaniacs.uol.com.br/principal.asp?acao=materias&cod_materia=562
http://midia-radical.blogspot.com/2008/08/imprensa-alternativa.html
http://blogln.ning.com/profiles/blogs/o-pasquim-quarenta-lances
http://br.groups.yahoo.com/group/EuroQuadrinhos/message/1626
http://lambiek.net/artists/l/leo.htm
http://jornalivros.co.cc/?p=235
http://www.guiadosquadrinhos.com/thumb.aspx?cod_tit=bi212100&esp=&total=9
Agradecimento especial ao Fábio Dark pelo scan das entrevistas.

Em 2004, a Panini Comics prometeu republicar no Brasil aquele que ainda é considerado por muitos como um dos melhores mangás de samurai de todos os tempos: Lobo Solitário (Kozure Okami no original).
Três anos depois, o samurai renegado Ito Ogami e de seu filho, Daigoro, finalizaram, no Brasil, a sua longa viagem em busca de vingança contra o clã Yagyu.

Criado em 1970 por Kazuo Koike (roteiros) e Goseki Kojima (desenhos), esse popular e clássico mangá foi um dos primeiros do gênero (excluindo o trabalho do genial Osamu Tezuka) a introduzir os quadrinhos japoneses no mundo ocidental. A saga do Lobo Solitário e seu filhote influenciou uma geração de artistas tanto na Terra do Sol Nascente quanto no lado de cá do planeta.
Publicada pela revista semanal Kodansha, esta série teve 114 capítulos em 14 edições (no Brasil foram 28 edições lançadas pela Panini). Além dos quadrinhos, Lobo Solitário teve, no Japão, seis adaptações para o cinema e duas séries para TV durante os anos 1972 e 2002.

Em linhas gerais, a trama da série é a seguinte:
Na época do Japão feudal, existiam vários senhores feudais que estavam sob as ordens do Shogun, o mais poderoso e importante dentre os senhores feudais. Embora o Imperador ainda fosse respeitado como figura de poder e ascendência divina, era o Shogun quem efetivamente governava o país. Para manter seu domínio, o Shogun designou três famílias para ocuparem os cargos de ninjas, assassinos e executores.

A família Kurokawa ficou com o cargo de ninja, devido à sua própria tradição. Os ninjas eram responsáveis por observar todos os feudos no Japão, incluindo os senhores feudais. Qualquer atitude suspeita era informada ao Shogun. Se algum dos subordinados tramasse se opor, se rebelar ou se voltar contra o Shogun, o clã dos assassinos (título dado à família Yagyu) era acionado e o traidor era prontamente executado. Em princípio, a família Yagyu também mantinha o título de executores. Os executores eram responsáveis por auxiliar os nobres senhores feudais que se arrependessem de sua traição ao Shogun em um ritual chamado harakiri, ou usando um nome mais respeitável, seppuku. O seppuku é um ritual onde a pessoa pega uma lâmina e começa a cortar o ventre, eviscerando-se. Para “aliviar” o senhor feudal ou qualquer outro que fizesse o ritual, o Executor ceifava a cabeça do condenando, deixando uma aba de pele do pescoço sem ser cortada para que a cabeça não rolasse no chão.
Depois de anos mantendo o título de executores, os Yagyu foram substituídos pelos Ogami na tarefa por decisão do Shogun, que realizou um teste envolvendo o samurai Ito Ogami e o mais jovem dos Yagyu, Retsudo. Inconformados com a perda do título, os Yagyu tramaram contra Ito e sua família, forjando provas que levaram o Shogun a crer que Ogami havia lhe traído. Os Yagyu também assassinaram a esposa de Ito, que, mesmo agonizando, deu a luz a Daigoro Ogami.
Assim, Ito parte, juntamente com seu filho, em uma jornada de ódio e violência para limpar seu nome e vingar a morte de sua esposa e de sua família, percorrendo a espinhosa trilha do assassino.

A coleção completa de Lobo Solitário soma mais de 8.700 páginas, distribuídas em 28 volumes. A primeira edição ocidental da obra de Kazuo Koike e Goseki Kojima foi lançada nos Estados Unidos pela First Comics, em 1987, como uma série de mensal, que seguiu o formato americano, número de páginas entre 64 e 128 páginas e ordem de leitura invertida para o padrão ocidental, com capas de Frank Miller e mais tarde por Bill Sienkiewicz, Matt Wagner, Mike Ploog e Lago Ray. Em 1991 o título foi cancelado sem completar a série, publicando menos de um terço da série total.

Em 2000, a Dark Horse Comics começou a publicar a série, completando com o volume 28 em 2002. Reutilizou todas as ilustrações feitas por Frank Miller, bem como várias feitas por Sienkiewicz, e encomendou novas capas a Wagner, Guy Davis, para vários volumes das coleções.

Em 2002, Mike Kennedy e Francisco Rui Velasco criaram a série: Lone Wolf 2100, com a participação indireta de Koike. Em um futuro pós-apocalíptico, Daisy Ogami, filha de um cientista de renome, e Itto, protetor e guarda-costas de seu pai, tentam escapar do maléfico regime da Cygnat Owari Corporation. Esta série não foi recebida pelo público, tornando-se um fracasso.

Lobo Solitário chegou a ser publicado, de forma bastante descontinuada, aqui no Brasil, primeiro pela Cedibra em 1989. Além de seguir os modelos gráficos, a edição da Cedibra também copiou da matriz norte-americana o destino de permanecer incompleta. A série foi cancelada em 1989, em seu nono número.
No ano seguinte, a editora Nova Sampa retomou a publicação, num formato menor, mas com mais páginas por edição. A nova versão também trazia como novidade as belas capas pintadas por Bill Sienkiewicz. Porém, essa versão almanaquinho seguiu os passos da anterior, sendo também interrompida em seu nono número, que chegou às bancas com uma capa ilustrada por Matt Wagner.
No início dos anos 90, a Nova Sampa ainda insistiu lançando Lobo Solitário como revistinha, com menos páginas, capas ruins e menor qualidade gráfica, numa tentativa que se encerrou em seu quinto número.

O primeiro filme da série do Lobo Solitário foi realizado pela Katsu Productions, e distribuído pela Toho International Co. “Kozure Okami: Kowokashi udekashi tsukamatsuru” de 1972. O diretor Kenji Misumi pediu para que os criadores do mangá, Koike Kazuo e Goseki Kojima, fossem os roteiristas responsáveis pela adaptação. O primeiro filme da série foi muito bem produzido, com direção inventiva e fotografia exuberante e excelente trilha sonora. As cenas de ação são extremamente bem feitas. Neste é contada a origem do personagem que anda com seu filho enquanto ganha a vida como mercenário assassino.
No mesmo ano foi lançado o segundo filme da série: “Kozure Okami: Sanzu no Kawa no ubaguruma”, ainda com a mesma equipe do primeiro longa-metragem, este possui o roteiro baseado em três histórias publicadas nos quadrinhos.
Ainda em 1972 saiu o terceiro filme do Lobo Solitário: “Kozure Okami: Shinikazeni ubaguruma mukau”.
O diretor Buichi Saito pegou a série ainda em 1972, lançando o quarto filme da série: “Kozure Okami: Oya não kokoro ko no kokoro”. Este é um filme mais para os fãs de artes marciais que propriamente para os fãs do Lobo Solitário.
Kenji Misumi volta à direção da série em 1973 com o filme: “Kozure Okami: Meifumando”.
No sexto e último filme da série, “Kozure Okami: Jigoku e ikuzo! Daigoro Daigoro” de 1974, o diretor Yoshiyuki Kuroda não deixa cair à qualidade dos outros cinco e mostra o conflito final entre Ogami Itto e o clã de Yagyu.
O Lobo Solitário ganhou ainda uma versão americanizada em 1980: “Shogun Assassin”, dirigido por Robert Houston e Kenji Misumi. Que nada mais era do que a condensação dos primeiros filmes originais. “Shogun Assassin” chegou a ser lançado em VHS no Brasil.

Lobo Solitário foi levado à TV sob a forma de seriado por duas vezes. Kozure Okami foi transmitido em três temporadas de 26 episódios cada, com 45 minutos de duração cada. Essa série foi exibida no Brasil nos anos 80 pela TVS (atual SBT), como “O Samurai Fugitivo”.
Uma segunda série de tevê foi ao ar em outubro de 2002-2004. Na nova versão Itto Ogami é interpretado pelo conhecido ator japonês Kinya Kitaoji, e seu filho Daigoro é interpretado pelo ator de apenas 3 anos Tsubasa Kobayashi. A nova série trouxe pequenas mudanças na história original do mangá, num esforço de trazer as aventuras do Lobo Solitário mais perto da realidade.

Surgiram diversas notas na internet de que o mangá ganharia uma versão cinematográfica hollywoodiana e seria dirigida por Darren Aronofsky (Réquiem para um Sonho). O filme seria produzido pela Paramount Pictures e a Mutual Film Company. Mas ao contrário dos ardentes desejos dos fãs da série, o filme não se passaria no Japão Feudal, e sim nos dias de hoje. Nenhuma novidade sobre a produção foi divulgada depois desses rumores iniciais.

Por causa de sua imensa popularidade no Japão e seu status cult no Ocidente, Lobo Solitário gerou um impacto duradouro sobre a cultura popular no Japão e em outros lugares. Elencamos abaixo as principais “homenagens” prestadas a essa obra:

. Escritor Max Allan Collins reconheceu a influência do mangá Lobo Solitário, em sua graphic novel “Road to Perdition” (Estrada para Perdição – Via Lettera – 2002), em entrevista à BBC, declarou que “Road To Perdition” é uma homenagem clara a Lobo Solitário.

. O game: “Final Fantasy X” apresenta um personagem chamado Yojimbo, que pode ser contratado para atacar os inimigos do jogador. Um de seus ataques é realizado por um auxiliar (neste caso um cão), que atende pelo nome de “Daigoro”.

. Genndy Tartakovsky, criador do Laboratório de Dexter, faz uma homenagem a esse mangá em dois episódios de uma das melhores séries animadas da atualidade e ganhadora do Emmy: Samurai Jack. Em dos episódios da série (episódio XIX), Jack encontra as ruínas de sua terra natal e relembra sua infância. Em uma das cenas, temos a participação de Ogami e Daigoro, numa sensacional cena de luta. Já no episódio LII é o próprio samurai Jack que faz às vezes de Ito Ogami, viajando com um bebê que salvara de um bando de ogros, tal qual o Lobo Solitário faz com seu “filhote” Daigoro. (que foi um dos artistas americanos que mais se rendeu ao genial trabalho de Koike e Kojima.

De qualquer forma, mesmo depois de cerca de trinta anos de seu lançamento, Lobo Solitário ainda é lembrada e reverenciada por suas infinitas e sólidas qualidades artísticas e narrativas. E é exatamente por todos esses motivos que devemos mesmo é nos sentir honrados pela oportunidade de lermos a épica saga e obra-prima de Kazuo Koike e Goseki Kojima.

Referências bibliográficas:
http://maisquadrinhos.blogspot.com/2008/03/longa-jornada-do-lobo-solitrio.html
http://www.gibitela.hpg.ig.com.br/lobosolitario.htm
http://en.wikipedia.org/wiki/Lone_Wolf_and_Cub

No início dos anos 70 na USP, na Faculdade de Arquitetura e Urbanismo, dois colegas de curso: Arrigo Barnabé e Luiz Gê iniciavam suas carreiras. Enquanto Luiz Gê publicava seus primeiros trabalhos, Arrigo Barnabé começava a traçar o seu caminho que o levaria a ser o porta-bandeira do movimento musical chamado “Vanguarda Paulistana”. Arrigo era recém chegado na cidade de São Paulo, e Luiz Gê foi quem o guiou pela cidade revelando os detalhes ocultos da narrativa urbana que somente São Paulo possui, narrativa essa que ele empregava em seus quadrinhos, cuja paixão contagiou o colega.

Em 1980, Arrigo Barnabé após um desentendimento com a gravadora Polygram, lança de forma independente o seu primeiro LP, o álbum “Clara Crocodilo” (15 de novembro de 1980), cuja arte da capa foi feita por Luiz Gê. “Clara Crocodilo” consagrou a influência que Arrigo teve das hq’s. Das oito faixas do disco, seis descrevem tipos e situações da noite paulistana, enquanto as outras duas faixas, narram o surgimento do anti-herói mutante Clara Crocodilo, que enfrenta cientistas inescrupulosos e a própria polícia. Era a linguagem dos quadrinhos transposta para a linguagem musical.

Em 1984 sob contrato da gravadora Ariola (que pouco tempo depois foi comprada pela Polygram), Arrigo Barnabé recebeu sinal verde para produção de um novo disco, que inicialmente se chamaria “Crotalus Terrificus” cuja arte foi encomendada ao amigo Luiz Gê. Os primeiros esboços para a capa do álbum eram de uma cobra na forma de uma clave (coincidentemente o segundo lp de Itamar Assumpção lançado na mesma época utilizou uma arte semelhante em sua capa). Um dia Luiz Gê recebeu a visita de um amigo em sua casa, onde este ao observar um pôster dos Tigres Voadores (esquadrilha aérea composta por aviadores americanos, cuja característica visual em seus aviões P-40, era uma enorme boca de tubarão pintada), deu a idéia de uma hq protagonizada por eles, porém dentro da cidade. Imediatamente Luiz Gê estalou a idéia de ao invés de aviões, seriam tubarões, tubarões voadores e iniciou os esboços de modo tão frenético que deixou o amigo pasmo. Nos dias que se seguiram, foi-se montando o roteiro da história e acertando os detalhes, até finaliza-la.

Quando Arrigo Barnabé foi em seu ateliê para tratar sobre o disco novo, viu a hq dos tubarões e disse: “Ah!! Luis Gê, vou musicar essa historinha e o disco vai chamar “Tubarões Voadores”. O que era um antigo projeto de ambos, fazer uma hq com trilha sonora se concretizou naquele momento.
Medindo o tempo de leitura de cada quadrinho, Arrigo Barnabé foi musicando quadro a quadro, obtendo um resultado surpreendente, algo inédito até então. Redefinindo o nome do álbum para “Tubarões Voadores” cuja faixa-título abria o lp, manteve a hq completa sob a forma de encarte do álbum.

Lançado em 1984 numa parceria da Ariola/Barclay, que levou Arrigo Barnabé a obter reconhecimento internacional, e foi eleito pela revista Jazz Hot como um dos melhores álbuns do mundo, pois ali ele repetia a receita utilizada em “Clara Crocodilo”: o uso da linguagem dos quadrinhos em sua música.
O show “Tubarões Voadores” viajou o Brasil, em um espetáculo completamente teatral, com um cenário inovador, onde chamava a atenção uma rampa por onde descia um carro em alta velocidade. Os cenários, figurinos e a iluminação reproduziam com exatidão a historia em quadrinhos do Luis Gê, numa antecipação em muitos anos de Sin City.

Enquanto isso a hq foi “republicada” no jornal independente “Extra”, e nos livros“Território de Bravos” (Luiz Gê – Editora 34 – 1993) e “Análise textual da história em quadrinhos: uma abordagem semiótica da obra de Luiz Gê” – Antônio Vicente Pietroforte e Luiz Gê (Editora Annablume – setembro/2009).
Em 1999 o álbum “Clara Crocodilo” foi lançado em cd, pouco tempo depois foi a vez de“Tubarões Voadores”, onde para se adequar ao formato do cd, Luiz Gê teve de reestruturar o encarte com a hq. Hoje esses cd’s se encontram fora de catálogo.

Enquanto em “Clara Crocodilo” tinha-se um anti-herói pelos esgotos e subterrâneos de São Paulo, em “Tubarões Voadores” ganhamos enormes tubarões voando sobre as ruas, devorando adultos e crianças. Ali Luiz Gê através dos tubarões, sintetizou todo o medo e paranóia da classe média, que se tranca dentro de seus apartamentos e carros vedados com insulfilm se isolando dos demais habitantes, por não se sentirem seguros. Onde um passo em falso, uma janela aberta na hora errada, pode resultar em uma absurda tragédia. A hq começa em tom de humor, humor negro, diga-se de passagem, evoluindo para o puro terror, onde a violência é mostrada sem glamour ou justificativa, entre cada ataque dos tubarões são mostradas cenas de violência urbana cotidianas de qualquer cidade: acidentes, mutilações, crimes, atropelamentos e suicídios. Tudo isso se encerra com a cena final de um corpo sendo dilacerado por vários tubarões sob a legenda: “Pois no coração do prudente, repousa a sabedoria”.

Para transpor para a música todo esse clima de terror e medo, Arrigo Barnabé dividiu os vocais com Vânia Bastos, e introduziu a superposição de vozes e instrumentos em tonalidades diferentes para criar a percepção de profundidade do desenho, dando a ilusão de movimento. A utilização de citações musicais (ciranda, cirandinha) ajudam a dar clima à cena, e a hq reforça a dimensão sangrenta e dolorida, tornando visualmente impossível escutar a música de maneira entorpecida.
Agora, tranquem portas e janelas, coloquem os cadeados nos portões e acompanhem agora o vídeoclip não-oficial de “Tubarões Voadores” feito pelo fã Jeffin.

Consulta bibliográfica:

http://bethsalgueiro.multiply.com/journal?&page_start=20
Façanhas às próprias custas: a produção musical da Vanguarda Paulista (1979 – 2000) – José Adriano Fenerick
Revista Graffiti 76% Quadrinhos # 04 (1998)
Trilha Sonora: Topografia semiótica paulistana nas canções independentes das décadas de setenta e oitenta – Fátima Amaral Dias de oliveira (janeiro/1990)

Agradecimento especial ao Luiz Gê, pelas informações forncecidas, que enriqueceram em muito esta matéria.

Nem toda revista antiga ou n° 1 vale tanto para quem compra ou vende. É preciso entender um pouco sobre o mercado de quadrinhos aqui no Brasil, o histórico das editoras e dos títulos. Um dos fatores que diferencia o valor de uma HQ é a tiragem, edições de tiragem reduzida ou limitada tendem a ser mais valorizadas. Um exemplo é a série Akira, publicada pela editora Globo, em que os primeiros números são fáceis de encontrar, tanto em edições soltas quanto nas versões encadernadas, o que não acontece com as edições de n° 23, 31, 32 e 33 as mais difíceis. Quando a Edição 23 (novembro de 1992) foi publicada, as distribuidoras estavam em greve, de forma que várias cidades ficaram sem esse exemplar. Com as outras, as tiragens eram muito reduzidas, tornado-as raras no mercado. Caso semelhante ocorreu com a coleção Gibi Semanal da RGE, onde entre as primeiras e as últimas edições tiveram a tiragem reduzida em mais de 60%. O mesmo episódio aconteceu para os álbuns do Flash Gordon publicados pela EBAL.

As 29 edições de Mortadelo e Salaminho da Cedibra, nunca tiveram uma segunda tiragem, e hoje essa coleção é muito bem cotada. Como outro exemplo, o encadernado de Watchmen editado pela Abril, sem nada especial, era apenas o encalhe da mini original em 6 edições encadernadas em capa mole, sem nenhum extra e, como foram poucas edições colocadas a venda, tornou-se objeto de desejo entre os colecionadores devido a popularização do título. Não basta o gibi ser raro, precisa haver a procura aliada a dificuldade de encontrá-lo na disputa por obtê-lo, o que o valoriza ainda mais.

Outra publicação curiosa é o Sandman – Prelúdios e Noturnos, em que o primeiro arco (07 edições originais) foi publicado solto e encadernado pela Editora Globo, encadernado em preto e branco pela Brainstore, solto pela Metal Pesado, encadernado pela Conrad, e encadernado em dois volumes pela Pixel. Em teoria, o mercado estaria abarrotado dessas edições, mas quando a Conrad anunciou que não iria soltar uma segunda tiragem de seu encadernado ela se esgotou rapidamente gerando, em tempo recorde, uma valorização absurda e especulativa da edição nos sites de leilão na internet. Alcançou valores de até 10 vezes o preço original de capa pois os colecionadores não queriam ter sua coleção defasada, mesmo com as histórias já publicadas.

Há alguns anos as revistas dos anos 50, 60 e 70 de editoras como EBAL, RGE, La Selva, Trieste, Gorrion entre outras, tinham seu valor bem mais alto que os de hoje proporcionalmente falando, pois alguns fatores que influenciaram na queda dos preços:

Consequentemente, o número de edições à disposição no mercado tem superado a procura, levando a queda de preços.

Hoje os formatinhos tão populares entre os anos 70 e 90 estão sendo abandonados por muitos colecionadores. O lançamento contínuo de encadernados e coleções especiais reeditando grande parte desse material já publicado com cortes, textos resumidos, compactados ou dispersos em diversos títulos, tem feito o leitor/colecionador optar por manter edições mais luxuosas e selecionadas, dispensando os antigos formatinhos hoje encontrados facilmente a preço de centavos. Em virtude dessa nova oferta de mercado, a busca por formatinhos vem reduzindo a largos passos em igual proporção a sua oferta.

Mas a regra do mercado para os formatinhos não é apenas essa. Enquanto os formatinhos de grandes editoras como RGE/Globo, Abril vem caindo na cotação do mercado, os da Bloch Editores sobem, esses formatinhos hoje tem quase o status de “Cult”, pelo tratamento editorial único dado até hoje para uma HQ. Fazendo uma breve análise, os formatinhos da Bloch eram mal impressos, não se respeitavam as cores originais dos uniformes dos personagens, abuso de gírias da época nos textos, e tinham cores berrantes quase psicodélicas. Mas com tantos pontos negativos o porque dessa demanda atual por essas revistas? É fato de terem marcado uma fase única editorial brasileira, pelos títulos e histórias até hoje não reimpressas, sem falar da sua própria excentricidade que atrai hoje o colecionador que há poucos anos atrás os renegava.

No departamento de quadrinhos Disney, as HQ’s contendo histórias escritas e desenhadas por Carl Barks sempre foram disputadas e, recentemente, a Editora Abril relançou toda a sua obra numa coleção primorosa, bom acabamento e repleta de informações até então inéditas ao leitor. Mesmo assim, os quadrinhos Disney antigos não sofreram uma queda forte nos preços, pois cada revista antiga compunha um mix de diversos personagens e autores, além das diferenças nas cores e tradução, e que não foram abandonados pelos colecionadores em favor da nova coleção da Editora Abril.

Mesmo com tudo já colocado aqui, alguns títulos/gênero fogem totalmente de todas as regras tais como Fantasma, Mandrake, Tarzan e as HQ’s de faroeste que permanecem com boa demanda, sendo muito bem valorizadas entre vendedores e colecionadores. Por serem tão históricos e marcantes em nosso mercado, são quadrinhos de extremo apelo popular com: histórias simples, divertidas, sem grandes sagas se dividindo ao longo de diversas edições, fazendo com que o leitor ocasional possa lê-las tranquilamente sem se preocupar com as outras edições. Já o gênero do faroeste é reforçado pelo cinema que tem um número alto de fãs, enquanto os leitores antigos garimpam edições antigas de Roy Rogers por exemplo. Os mais novos disputam a tapa os exemplares antigos de Tex e Zagor e, apesar da diferença de idade, esses leitores/colecionadores que se comunicam pelo gosto em comum fortalecem e valorizam o gênero no mercado.

Assim como nos livros, edições autografadas tem maior valor por serem únicas e/ou exclusivas, aqui no Brasil os fãs ainda levam suas HQ’s aos festivais e convenções para serem autografadas pela admiração ao trabalho dos artistas para suas coleções particulares, enquanto que nos EUA essa paixão em grande parte cedeu espaço ao comércio e uma HQ autografada hoje está disponível no ebay. Essa prática comercial ainda é tímida em nosso mercado.

Não basta conhecer as regras e exceções do mercado de comercialização dos quadrinhos. Os sites de leilões virtuais não são uma fonte confiável para a cotação de uma revista ou coleção, mas servem de parâmetro para analisar a sua demanda. Conversar com outros colecionadores, frequentar fóruns e comunidades virtuais sobre o tema oferecem uma boa visão sobre o valor daquela revista que está em sua prateleira.

Em 1962 a revista “V-Magazine” começou a publicar Barbarella,de Jean-Claude Forest. O erotismo de Barbarella era algo novo para o quadrinho francês, que gerou certa polêmica. Então em 1964 o editor Eric Losfeld publicou Barbarella em formato álbum, e que causou escândalo pelo seu conteúdo criando o gênero “adulto” pela primeira vez para um livro em quadrinhos,mesmo com seu erotismo leve e da existência das “Tijuana Bibles” antes desta data.

Com o sucesso de Barbarella, em 1964 Losfeld decidiu expandir suas publicações penetrando no então novo mercado de quadrinhos adultos. Na França, os quadrinhos em formato de revista ou tiras eram considerados como voltados ao público infantil, podendo sofrer vetos da censura da época em todo mundo, devido ao famigerado “Comic Code”, que para evitar problemas com o mesmo, Losfeld valeu-se de uma brecha na lei de que não havia qualquer tipo de veto previsto para edições em formato magazine ou livro. Apesar de serem mais caras eram bem distribuídas tornando-se de fácil acesso aos leitores. O resultado desta abordagem permitiu o sucesso de outros títulos através de sua editora, a “Le Terrain Vague”, cujos principais títulos foram:

Barbarella – Jean-Claude Forest – 12/1964
Lone Sloane – Philippe Druillet – 01/1966
Scarlett Dream – Gigi e Molitern – 06/1967
Jodelle – Pascal Thomas e Guy Pellaert – 10/1967
Saga de Xam – Jean Rollin e Nicolas Devil – 12/1967
Pravda – Pascal Thomas e Guy Pellaert – 01/1968
Epoxy – Jean Van Hamme e Paul Cuvelier – 04/1968
Valentina – Guido Crepax – 01/1969
Phoebe zeit-geist (les aventures de) – Michael O’Donoghue e Frank Springer – 07/1969
Cyber (Les aventures de) – Gérard Nery e Jean-Claude Poirier – 10/1969
Xiris – Serge San Juan – 02/1970
Kris Kool – Caza – 11/1970.

Publicada em dezembro de 1967 por Eric Losfeld, Saga de Xam é um dos mais raros e autênticos exemplos de quadrinhos psicodélicos, o que representa inúmeras atividades culturais características da segunda metade dos anos sessenta.

As belas pranchas de “Saga” foram originalmente desenhadas em formato grande, acima do padrão usual, onde além dos desenhos foram escritos diálogos e legendas em letras minúsculas.
Impresso em papel de 300 gramas, com tiragem limitada em 5.000 exemplares, e nunca reimpresso, tornou-se extremamente rara e tem sido um dos álbuns em quadrinhos mais procurados por colecionadores em todo o mundo.

Escrita pelo cineasta e roteirista francês Jean Rollin – Jean Michel Rollin Le Gentil – como um dos pioneiros no gênero terror-erótico, focou sempre no surrealismo através de imagens sensuais e macabras em seu gênero favorito: Vampiros.

Saga de Xam, foi a sua primeira e única experiência como escritor no gênero das HQ’s.O erotismo apresentado foi um ensaio do que ele iria aplicar futuramente em seus filmes. Mais tarde escreveu dois artigos para a revista “Midi-Minuit Fantastique” editada por Eric Losefeld, e em 1993 publicou o romance “Les Deux Orphelines Vampires”, que posteriormente virou filme.

Nicolas Devil (Nicolas Deville ??), trabalhava com Rollin auxiliando-o em seus curtas-metragens, que ao notar o seu talento como desenhista, incentivou-o a procurar Eric Losfeld com a proposta de um álbum feito por ambos. Na editora acabaram por conhecer o desenhista Philippe Druillet que colaborou na arte do álbum e que, posteriormente, ilustrou os cartazes dos filmes de Rollin.

A arte de Devil foi sem dúvida alguma a razão do sucesso de Saga de Xam, que se valeu do uso da técnica de cadavrequix*, com a participação dos seguintes artistas: Phippe Druillet, Barbara Girard, Merri e Nicolas Kapnist. Nunca antes o uso da metalinguagem foi utilizado de forma tão ampla como neste álbum, em que cada capítulo tem sua peculiaridade nos símbolos, cores, desenhos e textos, sem perder o fio condutor da história.

Diversos diálogos foram escritos em trës códigos diferentes, e ao final do álbum foi dada a equivalência de cada símbolo conforme nosso alfabeto. Para os textos escritos em caracteres minúsculos, e auxiliar a sua leitura, ao comprar o álbum o leitor ganhava uma lupa como brinde.

Nicolas Devil conseguiu conjugar os principais estilos gráficos e artísticos que estavam em voga nos anos sessenta, para compor esse álbum que sintetiza o que havia de melhor na vanguarda da pop-art até então, e ainda, com essas imagens, contar uma história que com seu texto expressava toda a filosofia de paz e amor

Eric Losfeld faleceu em 1979, e sua esposa Pierrette deu sequência ao seu trabalho, dando lugar posteriormente a sua filha Joelle. Mas o grande mistério gira em torno de Nicolas Devil, cujo único trabalho registrado é Saga de Xam, dados como seu nome, idade, outras atividades ou qualquer informação sobre ele, não existem disponíveis nos atuais meios de busca, seu atual paradeiro é desconhecido.

* Técnica adotada por artistas surrealistas para provocar a livre associação de imagens fora do contexto habitual. Trata-se de um jogo gráfico sobre papel dobrado. Consiste na realização de um desenho coletivo, sem que nenhum dos intervenientes saiba o que os outros fizeram, aproveitando apenas os traços de ligação deixados sobre as dobras do papel. Ao desdobrar, verifica-se, com surpresa, a relação inesperada entre as figuras desenhadas.
Pelo seu caráter insólito, humorístico ou até provocativo, esta técnica proporciona resultados mais surpreendentes se o desenho for intencionalmente figurativo. Sugere-se que os trabalhos sejam pintados pelo grupo, numa 2ª etapa, já depois de observado o conjunto das ligações gráficas, cujo resultado foi imprevisível. A cor funcionará como elemento de ligação, tornando o desenho mais nítido.

Referências Bibliográficas:
http://it.wikipedia.org/wiki/Saga_de_Xam
http://intercom.org.br/papers/nacionais/2002/Congresso2002_Anais/errata_2001_1.pdf
http://www.answers.com/topic/jean-rollin
http://www.ciencia-ficcion.com/comics/lonesloane.htm
http://pilsenoubock.blogspot.com/2007/08/breve-apanhado-da-histria-dos.html
http://fr.wikipedia.org/wiki/%C3%89ric_Losfeld
http://www.redealcar.jornalismo.ufsc.br/cd/…/historia%20da%20midia%20visual/GT%20Midia%20Visual%20Flavio%20Calazans.doc
http://www.bdabd.com/bdxm/editeur/eric.losfeld/detail.bdabd
http://www.coolfrenchcomics.com/pravda.htm
http://www.shockingimages.com/rollin/interview.htm
http://cadavreexquis.com.sapo.pt/
http://www.bedetheque.com/

Os desenhos de Joe Shuster impressionaram o editor do jornal de sua escola, que nada mais era do que Jerry Fine, primo de Jerry Siegel. Ao dizer que iria se mudar para a Glenville High School, Fine o recomendou que procurasse Jerry, pois tinha certeza de ambos iriam se dar bem, e assim se deu início ao contato e futura parceria com Jerry Siegel.

Em meados dos anos 20 o fisiculturismo entrava em voga, Bernad MacFadden editor da revista Physical Culture, promoveu em 1922 o fisiculturista Angelo Siciliano ou Charles Atlas, como “o homem do corpo mais perfeito do mundo”. Atlas foi ídolo de Joe Shuster que desejava desenvolver seu raquítico corpo, apesar das zombarias de Jerry, que era avesso a qualquer atividade física.

Em 1931 o primeiro número da revista do Sombra, esgotava-se nas bancas, abrindo caminho para outros heróis sombrios na luta contra o crime, Agente Secreto X-9 e Dick Tracy antagonizavam com o pueril estilo de Zorro e Pimpinela Escarlate, fomentando as fantasias de Jerry, mesclando com o seu gosto pela ficção científica, a luta contra o crime.
Com o sucesso dos desenhos de Harold Foster na primeira versão em quadrinhos de Tarzan. Foster deu vida ao corpo másculo, dotando-o de dinamismo, beleza e agilidade, tornando-se um ícone de admiração de leitores masculinos e femininos. Siegel e Shuster, vendo isso (afinal eles também eram admiradores do trabalho de Foster), começaram a traçar planos para um trabalho próprio no mundo das tiras de quadrinhos.

Às vésperas de completar 18 anos, Siegel anunciou nas páginas do The Torch o lançamento de sua própria revista: Science Fiction: The Advance Guard of Future Civilization. O anúncio prometia em suas páginas escritores conhecidos e um grande investimento em propaganda, mas o preço era ousado: 0,15 cents, 50% a mais do preço cobrado pelo renomado fanzine: The Time Traveller, que possuía uma qualidade gráfica surpreendente. Mas na verdade, o grande time de escritores anunciado por Siegel era composto quase por completo por apenas ele e Shuster, que se revezavam em diversos pseudônimos para produzir a revista.

Gladiador era um mito sobre o homem superior e a sociedade medíocre que destruía tudo aquilo que poderia vir a beneficiá-la, em troca de um conforto imediatista e conformista. Em sua trama, um biólogo, utilizando os recursos da eugenia transforma o próprio filho: Hugo Danner, no protótipo do homem perfeito: invencível, de força e vitalidade além do comum, e dotado de uma superioridade moral inata. Ao atingir a idade adulta, decide ir de encontro à civilização para ajudar o mundo e os seus semelhantes, mas ele encontra uma humanidade mesquinha, onde marginais o desafiam em lutas constantemente, é pressionado pelo exército a participar de uma guerra desleal e mercenária, as mulheres se atiram aos seus pés em gestos fúteis e interesseiros, é explorado por um agenciador de lutas de boxe, até aprender como lidar com o mundo e com as pessoas, mesmo que maioria delas não compartilhe de seus ideais íntegros e pacíficos.

Gladiador foi o catalisador que Siegel precisava, como apontam os seguintes trechos do livro: “Faço algumas coisas que me assustam, pai. Consigo saltar mais alto que uma casa, consigo correr mais rápido que um trem”. Ou quando Hugo em meio ao campo de batalha, descobre que as balas não ferem a sua pele, e tiros de maior calibre como os de um canhão, não fazem mais do que apenas derrubá-lo momentaneamente. Mais tarde, a fim de se acostumar com seus superpoderes, Hugo constrói uma fortaleza solitária em meio à floresta.

Com a mente fervilhando e com os desenhos de Joe Shuster, Jerry Siegel escreveu: The Reign of the Superman, uma novela futurista em nove páginas datilografadas.

Em breve sinopse podemos narrar o texto de Siegel: Numa reflexão às conseqüências da grande depressão de 1929, que inundou as ruas dos EUA de desempregados e famintos, que surge o primeiro cenário do romance. Onde o professor Smalley observa os
moribundos na fila de sopa, e escolhe um deles (Dunn) ao acaso para ser cobaia em um experimento. Injetando no corpo do andarilho uma substância encontrada em um meteoro, este adquire um poder mental surpreendente, capaz de ouvir os pensamentos das pessoas a sua volta, Dunn acaba fugindo semi-enlouquecido com o choque de seu novo poder.

Jerry Siegel não era religioso, o conceito da intervenção divina veio também por inspiração de Wylie.

Semanas depois de sua publicação, os olhos de Siegel se arregalaram ao ler uma propaganda estampada nas últimas páginas de The Shadow: SUPER-HOMEM, logo abaixo, a figura de um homem musculoso lutando contra um atirador, seguido pela legenda: Doc Savage – mestre da mente e do corpo.

Em sua mente, o quebra-cabeça se montara: iriam escrever e desenhar uma tira de ação com um herói criado por eles mesmos, e vendê-la a Humor Publishing, mas não seriam quadrinhos policiais, seria algo grandioso, maior que Tarzan e Buck Rogens, mais fantástico que Gladiator e Doc Savage, seria sobre um super-humano com boa índole, seu nome? O Super-Homem.

Em 1933 a primeira versão do super-homem como personagem de quadrinhos foi enviada para a Humor Publishing, que após meses de silêncio, devolveram os originais rejeitando a proposta de Siegel e Shuster. Dessa primeira versão restou apenas hoje à capa esboçada por Shuster, essa capa foi encontrada décadas mais tarde na escrivaninha de Charles Gaines. Jerry tentara a sorte com Gaines enviando seu trabalho para a revista Famous Funnies em 1934, porém o resultado fora o mesmo: rejeitado.

A resposta do Major foi: A tira do Super-Homem está aguardando um pedido iminente de um syndicate nacional… Uma encomenda para um tablóide com 16 páginas, em quatro cores, que poderia incluir o Super-Homem lá pelo início do ano.. “Acho que o Super-Homem tem ótimas chances”.

Animados com a notícia, Siegel e Shuster começaram a esboçar slogans para promover o Super-Homem, como “a tira de maior sucesso de 1936”, “sem dúvida a tira que conquistaria a nação! A Supertira! A melhor de todos os tempos! O maior acontecimento desde o surgimento das histórias em quadrinhos! A melhor tira de super-herói de todos os tempos!” E prometiam também “Velocidade, ação, risadas, emoções, surpresas. A mais inusitada de todas as tiras de humor e aventura jamais criadas! Uma nova personalidade saúda o mundo! Você vai rir! Você vai se admirar! É preciso ver para crer!”.
Entre todos esses slogans foram rabiscados em uma folha usada de papel, eles anteveram os produtos licenciados: caixas de cereais e biscoitos no formato do Super-Homem.
Siegel sabia que o grosso do dinheiro faturado pelos sydicates provinha da concessão de licenças.
Este esboço mostra pela primeira vez o Super-Homem de uniforme colante e capa, no peito um triângulo invertido, sem o famoso “S”.

Nessa época Charlie Gaines era um dos maiores fornecedores de quadrinhos para George Delacorte, além de ser um representante freelance do McClure Syndicate.
Portanto Gaines acabou recebendo a proposta de publicação do Super-Homem, a qual ele tentou emplacar em 1937 na revista Popular Comics, e em seguida na Tip Top Comics, porém sem sucesso. A Tip Top Comics pertencia à United Features Syndicate, e o motivo da recusa foi por acharem o trabalho de Siegel e Shuster um tanto imaturo, a Enquire Features recomendou “Prestem um pouco mais de atenção ao desenho”.

Possivelmente nessa época Siegel e Shuster tenham redefinido alguns aspectos do Super-Homem adequando-o para o mercado vigente.
Alguns dos pulps publicados por Donefeld voltados ao público adulto, incluíam alguns quadrinhos. Como Shuster gostava de desenhar garotas sensuais e Siegel tinha um texto que às vezes era apelativo, tentaram levar o Super-Homem para Worth Carnahan que editava entre outras os pulps Pep e Spicy Detective. Carnahan não viu futuro algum no material apresentado pelos rapazes, Super-Homem voltava para a gaveta de espera. Pois o trabalho pago era prioridade na vida de Siegel e Shuster.

Não havia tempo para encomendar material novo, pois a revista tinha de estar nas bancas na primavera para que pudesse ser promovida com força total. Começaram então a revirar as pilhas de material rejeitado.
Conseguiram material para preencher parte da revista, mas nenhum deles tinha um personagem carismático o suficiente para ilustrar a capa.
Consultaram o cartunista Shelly Mayer que trabalhava para Gaines, se ele sabia de algum material de qualidade que tivesse escapado aos olhos de Gaines.

Shelly encontrou uma amostra do Super-Homem no meio da pilha de trabalhos rejeitados, a versão que Shelly viu era bem violenta: Após salvar um homem de ser linchado, este conta que sua esposa irá àquela noite para a cadeira elétrica sob falsa acusação. O Super-Homem vai atrás da verdadeira assassina: uma loira oxigenada, cantora de cabaré. Recebido a tiros pela assassina, ele arranca o revólver de suas mãos, o esmaga e agarra fortemente o braço da mulher dizendo: “Está pronta para assinar a sua confissão? Ou quer experimentar o que sentiu aquela arma quando eu fechei minha mão?”. A mulher escreve a confissão, é amarrada e amordaçada, sendo levada pelo Super-Homem até a mansão do governador. O mordomo da casa ataca-o com uma faca, mas a lâmina entorta. Derrubando a pesada porta de aço do quarto do governador, o Super-Homem exige que o governador o escute, e por fim conceda o perdão à mulher inocente. No dia seguinte o governador confessa entre seus assessores sobre a terrível visita que recebera a noite: “Ele não é humano!”.

Então Shelly sabia o que sugerir para Vin Sullivan.
Vin ficou empolgado com o material, afinal dois anos tinham se passado desde que ele teria recebido a proposta sobre o Super-Homem, e o momento atual pedia heróis como esse, mas precisava de alguns retoques para se tornar algo mais do que fantástico.
Em novembro, Siegel e Shuster receberam uma carta de Vin Sullivan, informando de que as amostras do Super-Homem estavam a caminho, e que eles a remontassem numa história de 13 páginas, pois ele compraria o material.
Quando a amostra chegou a dupla se trancou no apartamento de Shuster para dar cabo da encomenda, e chamaram o irmão de Shuster, para ajudar no trabalho.

No último quadrinho, o Super-Homem corre por um cabo de alta tensão carregando um bandido apavorado dizendo: “Não se preocupe, os passarinhos ficam nos cabos e não são eletrocutados, desde que não toquem num poste! Opa! Quase bati naquele ali!”.
Aquilo era algo novo: um super-herói fazendo uma piada, algo totalmente inconcebível para Doc Savage, Tarzan, Flash Gordon, Fantasma, O Sombra, etc..
Aquilo era um grande diferencial para a juventude.

Pelo trabalho, Jerry Siegel e Joe Shuster receberam um cheque de 130 dólares, e assinaram um documento cedendo todos os direitos sobre o Super-Homem para a editora, pois era assim que as coisas funcionavam, e eles já haviam feito isso antes com todos os outros trabalhos anteriores.

Shuster declarou que abriria mão dos outros trabalhos para se dedicar exclusivamente ao Super-Homem, que no final das contas era bem mais divertido de se trabalhar do que Federal Men ou Radio Squad.
O major Malcolm não se saiu bem na história, no início de 1938 após voltar de uma viagem a passeio por Cuba, descobriu que fora “despejado” do escritório por Donefeld em virtude a falta de pagamentos, e tinha sua empresa levada ao tribunal de falências.
Em um acordo judicial a Independet News se tornara dona de todos os ativos do major, que em troca recebera apenas uma percentagem sobre o título More Fun Comics. Desistindo do mundo dos comics, o major passou a se dedicar como escritor de histórias de guerra e críticas às forças armadas americanas.
Vin Sullivan continuou como editor, Jack Liebowitz prosseguiu como contador.
Nenhum deles tinha como prever como o mundo dos quadrinhos iria mudar após a publicação do primeiro número de Action Comics.
E assim nasceu o Super-Homem.

Consulta bibliográfica:
- Homens do Amanhã – Gerard Jones – Conrad Editora
http://www.dialbforblog.com

No segundo artigo é citado que um certo editor em julgamento justifica artisticamente a imagem de uma cabeça degolada na capa da revista “Crime Suspenstories” #22, desenhada por Johny Craig.

Esse episódio é de todo verídico, e o protagonista dele, nada mais é do que Bill Gaines, editor da E.C. Comics.

Boa leitura!

Em 1955 nossos pais e avós foram alertados também com esse sensacionalista artigo:

Fontes consultadas:
http://thehorrorsofitall.blogspot.com
Seleções Reader´s Digest #157 – fevereiro 1955